English below ☟
Musik er meget mere end bare en række toner, melodier og akkordprogressioner. Essensen i musikken er at kommunikere – den vil fortælle noget. En følelse, en historie som vi skal tydeliggøre. Men vi kan ikke være overbevisende medmindre vi selv føler noget.
I forbindelse med at lære nye stykker, oplever jeg desværre lidt for ofte, at musikere har en ”først tonerne, så musikken” tilgang. Jeg har selv været der – ”det vigtigste er vel at få de rigtige toner og rytmer på plads først, inden man kan lege med det musikalske”, tænkte jeg dengang. Men desværre er det en proces, som kræver mere tid, end hvad der er nødvendigt. Hvis du allerede har lært det ”basale” og først skal til at lave musik bagefter, er der en række ting og teknikker, du skal aflære og ændre, fx fra at spille forte til piano, fra legato til staccato, ændring i tempoet osv. – og dette i sig selv er trættende og kedeligt. Hvad vi skal gøre, for at optimere vores øvning, og gøre det sjovere, vel at mærke, er at øve med følelser helt fra begyndelsen af.
Det betyder dog ikke, at vi skal gå all in med at overdrive vores følelser, lave sjove ansigtsudtryk og kaste med pianisthåret, mens vi øver. Men vi skal vide, hvad vi vil med musikken og hvad den fortæller. Hvert motiv og frase skal være besjælet af, hvad vi ønsker at udtrykke fra når vi starter med at øve på stykket. En anderledes artikulation, en ny dynamik, en anden klangfarve vil resultere i forskellige følelser – men vi skal være klar over, hvornår vi vil gøre hvad.
Når det er sagt betyder det ikke, at vi aldrig mere skal øve ”straight” – som der står i noden. Der vil stadig være vanskelige steder, som kræver at vi skal øve på teknikken bag. Nogle gange skal fingrene bare tæskes igennem for styrke og koordination, og her er det sjældent, at man fra start af kan overskue det musikalske. Men så længe denne form for øvning ikke er dominerende og at der er et bestemt formål med denne øveteknik, er det helt fint.
Men hvordan skal vi øve, så det ikke bliver mekanisk?
1. Fortæl en historie
Den hurtigste måde at knytte følelser til et stykke er, at finde på en historie. Vi kender det fra film – tænker du tilbage på din yndlingsfilm, tør jeg vædde med, at det er fordi den på en eller anden måde har appelleret til dine følelser. Selve historien er vigtigere end de rigtige noder. Den store pianist, Vladimir Horowitz, har selv sagt følgende:
”I must tell you I take terrible risks. Because my playing is very clear, when I make a mistake you hear it. If you want me to play only the notes without any specific dynamics, I will never make one mistake. Never be afraid to dare.”
En god historie har altid en begyndelse, opbygning, klimaks og afslutning – og det er samme måde, vi skal analysere vores stykker på. Du skal være helt klar over, hvornår der sker hvad i din historie. Visualisér den, når du spiller – det vil også hjælpe dig til at memorere den bedre.
2. Overdriv
Når du øver for dig selv, er det en god idé at overdrive, hvad du vil. Tænk på drama! I teatre skal alle deres bevægelser, udtryk og selv måden de taler på overdrives, fordi publikum er langt væk. Hvis ikke de overdriver, kan de bagerste i rækkerne ikke forstå, hvad det handler om – så ville skuespillerne være som robotter på scenen. Det er denne form for overdrivelse, vi skal tænke på. Du kan ikke mestre det hårfine, hvis ikke du har lært dramaturgien først.
Spiller du forte? Så tryk til! Er det piano? Så spil så svagt, som du overhovedet kan. Måske føler du, at du kan høre forskel – men for lytterne er det måske den samme dynamik hele vejen igennem. Det er ligesom skuespillerne, som går op på scenen og bevæger sig som de gør normalt – men langt fra er det svært at finde ud af, hvilken følelsesmæssig stadie, de befinder sig i.
3. Lyt til din klang
At spille musik er ligesom at snakke. Betydningen af ordene afhænger af måden, vi taler på.
- Hvor er betoningen? Det sagde jeg ikke/det sagde jeg ikke/det sagde jeg ikke (frasering i musikken)
- Hvor højt/lavt? (dynamik)
- Pauser, fx: det er interessant/det er… interessant (”vejrtrækninger”)
- Tonefald (balance og klang)
Det er blot nogle af de elementer, vi kan lege med og ændre på, som vi har lyst til. Men hvad vi gør, afhænger af hvad vi vil udtrykke med musikken.
4. Lyt til dig selv
Når du øver, kan det være svært at overskue det hele på en gang. Måske er du så fokuseret på klangen, at du glemmer at lytte til rytmerne eller om du holder tempoet. Det er helt normalt. Men hvad der ville være godt er, hvis du optager dig selv regelmæssigt for at lytte til, hvad du egentlig leverer. Fortæller du den historie, du gerne vil udtrykke? Spiller du lidt for ”safe”, fordi du er for fokuseret på de rigtige noder, at du glemmer de musikalske elementer?
Men husk at lade være med at dømme dig selv eller straffe dig for, at det ikke lyder, som du vil have det. Det er altid en længere varig proces – men så længe du bliver ved med at arbejde for det, skal det nok komme!
Play the music – not your instrument
Music is much more than just a collection of notes, melodies and chord progressions. The meaning of music is communication – it wants to tell something. A feeling, a story that we have to clarify. But we can’t be convincing if we are not feeling anything ourselves.
In connection with leaning new pieces, I’ve encountered many musicians who have espoused the practice philosophy, “first the notes and then the music”. I’ve been there myself – “the most important thing is to get the right notes and the rhythm, and then I can play with the music”, I thought at that time. But that is, unfortunately, a process that requires more time than what is necessary. If you already learned the “basic” and then have to learn the music afterwards, there are a lot of things and techniques, you have to unlearn and change, for example from playing forte to piano, from legato to staccato, change in the tempo etc. – and that itself is very tiering and boring. What we have to do in order to make our practice more efficient and fun, is to practice with emotions from the beginning.
That doesn’t mean that we are to emote all over the keyboard during practice. But we have to know what we want with the music and what it tells us. Every motive and phrase need to be imbued with the emotions, we want to express from the very beginning of the study. A different articulation, dynamic, color in the sound result in different emotions – but we need to be aware of when we want to do what.
That said, it doesn’t mean that we should never practice “straight” – like it’s written in the score. There will still be places where we need to solve the technical issues first. Sometimes the fingers simply need the strength and coordination to complete a given task. And while practicing that, it is rare that we can have the general overview to manage all the musical matters in the same time at first. But as long as this way of practicing isn’t dominating and there is a purpose with it, it is fine.
But how can we practice without it being mechanical?
1. Tell a story
The quickest way to connect with the emotions in music is to come up with your own story. We all know it from movies – if you think of your favorite movie, I bet it is because it at some point appealed to your emotions. The story itself is more important than playing the right notes. The great pianist, Vladimir Horowitz said himself:
”I must tell you I take terrible risks. Because my playing is very clear, when I make a mistake you hear it. If you want me to play only the notes without any specific dynamics, I will never make one mistake. Never be afraid to dare.”
A good story always has a beginning, middle, climax and denouement – and it is the same thing when we are going to analyze our piece. We need to know exactly when what happens in your story. Visualize it while playing – it will definitely help you to memorize it as well.
2. Exaggerate
When you practice, it is a good idea to exaggerate everything you want. Think of drama. In the theatre they have to exaggerate their movements, expressions and even the way the talk, because the audience is far away. If they don’t, the audience won’t be able to understand what is going on – the actors will simply be like robots. We have to do the same kind of exaggeration while playing. In order to subtle, you must master the dramatic first.
Are you playing forte? Then give it everything you can! Is it piano? Then play as soft as possible. Maybe you feel that you can hear a difference, but maybe it is the same dynamic in the whole piece for the audience. It’s like the actor going up on stage, talking and moving their body in a normal way – from far away, you can’t tell what emotional state they’re in.
3. Listen to your sound
Playing music is just like talking. The way we talk reflects the meaning of what we say.
- Where is the emphasis? I didn’t say that/ I didn’t say that/ I didn’t say that (the phrasing in music)
- How much volume? (dynamic)
- Pauses, for example: it is interesting/it is… interesting (“breathing”)
- Inflection (balance and sound)
This is just a few suggestions we can playing with and chance as we want. But what we do depends on what we want to tell with the music.
4. Listen to your self
While practicing, it can be difficult to cope with everything at once. Maybe you are too focused on the sound that you forget to listen to the rhythm or if you are keeping the tempo. It is very normal. But what we can do is to record ourselves frequently and listen to what you are actually delivering. Are you telling the story, you want to express? Do you play too “safe” because you are concentrated about getting the right notes that you forget the musical ideas?
No matter what, remember not to judge yourself if it doesn’t sound as you want it to be. This is always a longer process – but as long as you keep working for it, it will come to you!
