Indlæringshierakiet

English below ☟

Du tager dine noder op af tasken og lægger dem ivrigt op på nodestativet. Du har sådan set gjort dit forarbejde – du har lyttet til stykket, eller kender det måske på forhånd, du kender til komponisten og ved, hvilken stil du spiller i. Du ved sådan set godt, hvordan stykket i sidste ende skal lyde, og du er fuld af gåpåmod og motivation. Du går i gang med dagens øvning og er spændt på, hvordan det kommer til at lyde efter et par timer.

”Arg, min klang er jo vildt skidt her!” tænker du lige pludselig ved dolce-stedet. Du stopper op og begynder at rette det med det samme – for det har du jo lært, at man skal tage alting med fra start og ikke lade noget slippe igennem i øvelokalet, hvis ikke, det lyder godt. Men lige så snart, du begynder at tænke på klangen, går der ged i det hele. Du begynder at spille mærkelige toner, din rytme sejler sin egen sø og du har måske endda glemt artikulationen. Frustreret sætter du instrumentet ned igen. ”Hvad skete der lige der?”

Når du er i gang med at lære musik, er det vigtigt at have en prioriteret rækkefølge over de vigtigste elementer, du skal have fixet først, inden du kan begynde at sætte tingene sammen. På den måde undgår du de situationer, som beskrevet for oven. Der findes ikke nogen nem udvej, det eneste der virker, er tålmodighed. Selvom de fleste dygtige musikere måske tænker, at de kan skippe nogle af skridtene, fordi det er ”kedeligt” eller ”for langt nede” at starte, har jeg tit erfaret, at når man så begynder at pille i nogle af de elementer øverst i pyramiden, så vælter det fra hinanden, fordi grundarbejdet ikke er blevet dyrket ordentligt og i lang nok tid.

Så jo før du indser det, des bedre – du bliver nødt til at lære den éne ting først, fordi det kræves at du kan det i nummer to på listen. Alting er faktisk lige vigtigt i sidste ende, men det vigtige her er at få etableret en rækkefølge af i hvilken rækkefølge, du lærer tingene. Så her kommer min liste.

1. Rytme

Alt hvad du møder på nodebilledet, er i sammenhæng med rytmer. Sagt på en anden måde, så skal alt musik du spiller holdes indenfor rytmen. Du bliver nødt til at være afklaret med, hvordan rytmen lyder, så du ikke indlærer noget forkert, og senere hen bliver nødt til at aflære rytmen, inden du skal lære den rigtige.

Start med at sætte en rolig grundpuls, brug evt. metronomen, hvis du har svært ved at holde den uden at løbe. Du kan herefter enten sige den, klappe/banke den eller synge den. Så længe du holder den og får den rigtige rytme inkorporeret fra start, bliver resten meget lettere.

2. Positionstjek

Kig overordnet over nodebilledet – hvordan ligger det i forhold til positioner?

Er det den samme langt henad vejen, eller skal du skifte positioner ret tit?

Er der sekvenser, genkendelige mønstre eller andet, du hurtigt kan spotte, som kan hjælpe dig med nodelæsningen?

Skriv evt. fingersætningerne ud de steder, hvor det ser tricky ud. Prøv det af både i langsomt, moderat og i tempo for at se, om den er behagelig og brugbar. Hvis du kan spotte et sted, som ser meget svært ud, så brug lige 5 minutter på at kigge på det. ”Skil” det ad til små elementer, du hurtigt kan spille, og ”sæt” det så sammen i et roligt tempo.

Ved at skabe et overordnet overblik, vil du allerede være på forkant med nodelæsningen.

3. Spil noderne i rytmen

Det er nu tid til at fokusere på selve noderne. Start ud i et meget roligt tempo. Lige nu gælder det om at spille alting rigtigt fra start i den korrekte rytme, det endelige tempo og de musikalske elementer kommer senere. Tempoet skal være så langsomt, at du kan være på forkant med nodelæsningen – dvs. at øjnene skal kunne glide videre til starten af næste takt og du mentalt kan forberede dig på, hvad der nu skal ske, mens du spiller det sidste slag i den forrige takt.

Lad være med at spille hele stykket igennem på denne måde! Start med et par fraser, og når du har spillet det i det langsomme tempo et par gange, kan du øge tempoet lidt ad gangen. Hvis der er steder, hvor det driller lidt med noderne, positionerne eller rytmen, stopper du op, sætter tempoet ned på dette sted, spiller det et par gange langsomt, og øger tempoet på dette sted igen. Derefter går du et par takter tilbage og spiller det i sammenhæng i det lidt hurtigere tempo.

Sådan arbejder du videre, indtil de 3 ovennævnte ting er på plads.

4. Artikulation

Med dette henvises der alle de symboler i musik, som fortæller dig, hvordan du skal spille. Accenter, legato, tenuto, staccato, buer osv. – alt dét, som har betydning for, hvordan andre hører den pågældende tone. Disse tilføjer karakter til musikken og er en guideline til, hvordan du musikalsk skal udtrykke stykket.

Tit kan det være en hjælp at sige dem højt med ”vrøvleord”, som ti (kort), ta (lidt længere), ”toooo” (lange), så du øve dig i den rigtige længde i forhold til rytmen, inden du skal spille tonerne. Det kan godt lyde fjollet, men det ofte hjælper det dig til en bedre forståelse, af hvad der menes. Man kan også synge dem for at finde ud af, hvor lange fraserne er, hvor man skal trække vejret osv. Prøv det lige af, inden du sætter tonerne på – det gør det faktisk en del lettere!

5. Dynamik

Disse symboler fortæller om musikkens stemning. FF, f, mf, mp, p, pp osv. hjælper dig til en bedre forståelse af, hvilken volumen musikken har brug for på den pågældende sted. Men pas på - bare fordi der står p på en melodi, er det ikke ensbetydende med, at du kun skal spille svagt. Det skal være et piano, hvor melodien stadig er sangbar og hørbar for selv de bagerste i salen. De er ikke endegyldige beslutninger – det er ikke en facitliste over, at FF skal være et kæmpe brag, men det er en relativ guide! Faktisk er der mange flere faktorer, som spiller ind, i forhold til hvor meget du må spille til på et mf eller hvor svagt et pp, det skal være. Men det kan man kun finde ud af ved at prøve sig frem og lytte.

6. Musikalsk kontekst

De forskellige stilarter kræver forskellige teknikker og ekstra elementer, som du skal tilføje i musikken uden at det nødvendigvis står i noden, fordi de er indforståede. Det er uskrevne regler, og komponister har ikke noteret dem ned, fordi de var så åbenlyse i den tid – alle gjorde det. Derfor er det vigtigt at gøre sig klar for, hvilken stilperiode du spiller i.

Det nemmeste er sådan set at lytte til en masse musik fra de forskellige perioder – og rigtigt gerne orkesterværker (uanset hvilket instrument, du spiller). Selvom det er tidskrævende, besvarer det samtidigt også alle de spørgsmål, du måtte have.

7. Fortolkning

Det er nok det vigtigste punkt på listen. Efter at have lyttet og lært en masse gennem årene, har du helt sikkert udviklet en egen mening om de forskellige stilarter. Men ingen har lyst til at lyde som alle andre – vi vil alle gerne tilføje vores eget touch til stykkerne, dét der adskiller os fra alle andre. Jo mere du lærer, spiller og lytter til musikken, jo stærkere mening vil du have. Men ingen af os er altvidende, så sørg altid for at læse lidt op på det værk, du skal spille. Og husk, at din fortolkning kan være lige så god som alle andres!

Øv med omhu og prioritering – og gør din øvning mere effektiv med disse 7 simple skridt.

You take the scores up from your backpack, put them in front of you on a note stand. You have already done your homework – listened to the piece, or maybe you know it very well already. You know the composer and the style, and you know how the result should be. You are filled with motivation and drive. Happily, you start with your daily practice and you are curious about how it will sound after a couple of hours.

“Oh, my sound is really bad here!” you suddenly realize while playing the beautiful dolce-place. You stop up and want to change it immediately – because that’s what you’ve been told, to practice everything from the very beginning and don’t let anything through if you aren’t satisfied with it. But while changing it now, everything becomes a mess. You start playing weird notes, your rhythm is out of beats and maybe you’ve forgotten the articulation. Frustrated, you put down your instrument. “What just happened?”

When you are studying new music, it is important to have a list of priority. What need to be fixed first before moving on further down in order to make everything balance. In this way, you will void situations as written above. There are no easy ways, you have to have patient. Even though the experienced musicians maybe think they can skip some of the steps because it is too “boring” or “too low” to start, I have often experienced that when we start to work on the musical things, everything starts to fall apart because they haven’t been working enough on the fundamental things.

So, the earlier you realize it, the better. You have to learn in an order where one thing is learned first because it is needed for the next thing and so on down the list. Everything is equally important in the end, but it is the order of importance that establishes the priority in which you learn. So, I will give you my list here:

1. Rhythm

Everything you meet on the score is related to the rhythm. You have to learn how the rhythm goes first so you can make sure to learn everything else you do in the correct rhythm. If you don’t , at some point you will have to relearn your music because it is simply out of rhythm.

Start with a slow pulse, use your metronome if you find it difficult to keep. Now, you must say or clap or even sing the rhythm. The only task is to keep up with the beats and get the rhythm right from the beginning – then the rest will come much easier.

2. Check your positions

Look at the general picture in the scores - how in proportion to the positions?

Is it the same further on or do you have to change quite often?

Are there sequences, patters or anything else you can spot right away?

Write your fingerings down in those places, where it looks tricky. Try it out in slow, moderate and in tempo to check if it is really good. If you see a very difficult place, use 5 minutes to look at it. “Divide” it up to small elements you can quickly solve and “put” them together in a steady tempo.

By having the general overview, you will already be at the forefront of the rest.

3. Play the notes in rhythm

Now it is time to focus on the notes. Start out in a calm tempo. Right now, it is all about playing the right notes in the right tempo. The final tempo and all the musical details come later. The tempo has to be so slow, that you always and be 1 beat ahead of your playing – your eyes has to slide to the first beat in the new bar while your fingers are playing the last beat in the previous. In this way, you can always prepare for what is coming next.

But don’t play through the whole piece in this way! Begin with a couple of phrases and then you can increase the tempo after a while. If there are places where the notes, positions or rhythm are a bit unsteady, stop up! Slow down your tempo right on the spot and try it out a couple of times. Then increase the tempo little by little before going back and play it in context.

4. Articulation

By articulation, I’m relating to every symbol in music that tells you how you should play. Accents, legato, tenuto, slurs etc. – everything that effects the way others hear your tune. These add character to the music and are a guideline for how you musically should express the piece.

Often, it can be a help if you say it out with “nonsense words”, as tih (short), tah (a bit longer) and “toooh” (long), so you can practice the correct length compared to the rhythm before playing the notes. Maybe it sounds a bit silly, but it will help you to understand what it all means. You can also sing it in order to find out how long the phrases are, where you should breath and so on. Try it out before playing the notes – it makes it much easier!

5. Dynamics

These symbols describe the mood of the piece. FF, f, mf, mp, p, pp etc. help you to a better understanding of what kind of volume the music requires on the specific spot. But watch out – just because a p is written in the melody line doesn’t mean that you only have to play very quiet. It still has to be a piano, where the melody is still singing and audible for even those who is sitting at the backrow in the hall. The dynamics are not the final decisions – it is not the answer, but a guide. Actually, quite many elements play a part here, so the only way to find out is simply to try. Listen to it.

6. Musical context

The different styles require different techniques and extra elements, which you have to add in the music. Often, it is not something written in the score because it is so obvious. They are unwritten rules – every musician played in this way at that time. Therefore, it is extremely important to be aware of the style.

The easiest way to do so is to listen to a lot of music in in different styles – especially orchestra works (no matter which instrument, you are playing). Even though it requires a lot of time, it will also answer whatever questions you might have.

7. Interpretation

Which is, in my opinion, the most important thing on the list. After listening and working with different pieces, you might have developed your own taste on the different styles. Nobody wants to just do or sound like everybody else – we all what that extra. By adding our own touch to the pieces, we differentiate us self. The more you play, listen and learn, the stronger opinion you have. But nobody knows everything, so always remember to do your homework before – read about the piece you are about the play and remember: your interpretation might be as good as everybody else.

Practice with care, precision and priority – and make your practice more efficient with these 7 simple steps.